Импрессионизм, появившись во Франции в последней трети XIX века, изменил живопись. Во многом он был неизбежен — зрители устали от однообразного классицизма, не несущего ничего принципиально нового, художникам, как людям творческим, было тесно в рамках устоявшихся правил этого художественного течения. Сколько можно писать парадные портреты аристократии, зачастую не интересны никому, кроме самого заказчика, и изображать античные сюжеты времён давно забытых и совершенно несвязанных с действительностью конца XIX века? Другое дело, импрессионизм — искусство мимолётного мига, впечатления, как на известной картине Клода Моне.
Клод Моне. Впечатление.
Её, кстати, художник написал за 10 минут, а сейчас она оценивается как минимум в десятки миллионов долларов — где ещё можно так быстро заработать? Другой вопрос, что тогда картина Моне была почти никому не нужна, и художник вряд ли мог что-то существенное на ней заработать. Да он и не надеялся — писал больше для себя, пытаясь найти что-то новое в искусстве.
Сам Моне пытался поскорее запечатлеть восход солнца, момент здесь и сейчас, поэтому импрессионизм в чём-то схож с фотографией — художники зачастую рисуют быстро, широкими мазками, не отвлекаясь на мелкие детали, зато уделяя огромное внимание колористике, свету, тени, тонам и валёрам. То есть изображение на картине должно быть неразрывно связано с окружающей средой. А ещё они пишут современность, или то, что им самим интересно, как, например, великий импрессионист Эдгар Дега писал танцовщиц, беспутный карлик Тулуз-Лотрек — дам лёгкого поведения, алкоголик и мизантроп Морис Утрилло — улицы горячо любимого им Парижа.
Но были импрессионисты и в нашем отечестве, их не так много как хотелось бы, но свой след в искусстве они оставили и немаленький. О пяти лучших картинах русских импрессионистах мы и поговорим в этой статье.
Константин Коровин. В парке.
Коровин написал эту картину в 1880 году, вполне в своём стиле — широкие мазки, яркие цвета. Кстати, так он писал всегда, но когда Василий Поленов, будучи учителем Коровина, заявил: «А вы батенька, импрессионист» тот немало удивился, просто до этого он никогда вживую не видел картин импрессионистов, хотя, разумеется, слышал о них. Но импрессионисты где-то далеко, во Франции, а тут нас родной, доморощенный, и не менее талантливый. В момент написания картины Коровин учился в Московском училище живописи, и нужно иметь немалую смелость и бунтарскую натуру, чтобы писать в подобном ключе, а не привычном реализме.
Константин Коровин. Портрет хористки.
А в 1883 году Коровин написал «Портрет хористки» — картину, в которой он решал чисто художественные задачи, основное внимание уделил наложению мазков, правильной и интересной колористики, а не раскрытию характера написанной девушки, как это принято в «классической» живописи. Вообще, в этом слабость импрессионизма — художник меньшее внимание уделяет композиции и общему смыслу картины, сосредоточиваясь на художественных приёмах. Импрессионизм — это про красоту и особое видение живописцем окружающего мира, а не про глубину и реалистичное отражение действительности, как, например, у Перова и Репина. И не нужно писать, что Коровин не советский художник — из России он эмигрировал в 1922 году, впрочем лучшие свои картины написал до революции и в эмиграции.
Константин Юон. Ворота Ростовского кремля.
Константина Юона многие любители живописи знают как классика соцреализма, писавшего замечательные пейзажи о Москве. Но эта картина 1906 года написана в совсем иной манере. Впрочем, тогда соцреализма не существовало в принципе, а в Советское время Юон стал писать картины в этом художественном направлении в том числе и потому, что так было положено, и являлось единственной реальной возможностью состояться как художнику. А вот успех и признание Юон, что уж греха таить, любил, и делал всё, чтобы добиться их при любой власти. Привык он к ним ещё, будучи учеником художественного училища, а впоследствии денег за проданные картины хватало, чтобы путешествовать по Европе и, разумеется, приехать в Париж, эту Мекку художников и колыбель импрессионизма. И как Юону не взять столь модный стиль живописи на вооружение?
Картина написана крупными мазками и немного не в фокусе, несколько напоминает «Руанский собор» французского художника Клода Моне. Впрочем, в зрелые годы Юон импрессионизм стал высмеивать, критиковать тех, кто писал в подобной манере. Вот и угадай, искренне он это делал или пытался соответствовать генеральной линии партии.
Юрий Пименов. Афиши под дождём. 1973 г.
Ещё один классик соцреализма, чьи картины зачастую называли плакатными, для себя и души, а не по соцзаказу, писал совершенно удивительные вещи, благо таланта на них хватало. Такова и «Афиши под дождём». В этой картине сходство с работами импрессионистов прослеживается из-за стремления ухватить мгновение жизни, мимолётный миг, и показать его истинную красоту. А ещё эта картина напоминает некоторые работы великого французского импрессиониста Эдгара Дега — там тоже обрезанный кадр, Пименов пишет то, на чём хотел акцентировать внимание, а остальное неважно. Чем-то его картина напоминает фотографию или кадр из кинофильма. Впрочем, не случайно — Пименов сотрудничал с ведущими театрами Москвы, был художником-постановщиком, оформлял сцены, писал декорации. Тема афиши и театра ему очень близка, и в этом тоже прослеживается его сходство с Дега — тот был заядлым театроманом.
Игорь Грабарь. Зимний Пейзаж.
Когда другие советские художники в 40–50 годы XX века писали однотипные картины восхваляющие трудовые подвиги советского народа или по теме Великой Отечественной войны Игорь Грабарь рисовал родные русские берёзки в стиле импрессионизма. Ну никак не укладывались его картины в «правильное» понимание того, что должен писать советский художник. Впрочем, Грабарю это не мешало — в итоге он был лауреатом Сталинской премии, отличным реставратором и знатоком искусства. «А импрессионизм — у всех бывают свои слабости» — так наверняка думали советские чиновники от искусства, в очередной раз узнавая, что Грабарь опять написал берёзки. Но весь писал он их замечательно, а воздух на картине чистый-чистый, настоящий зимний — передать его прозрачность может только настоящий мастер.
Русский художник Пётр Кончаловский очень любил рисовать цветы. Он даже себе поставил цель — писать каждый день хотя бы один цветочный натюрморт и успешно справлялся с этой задачей. Будь он классическим художником-реалистом, пришлось бы ему возиться с каждой картиной куда дольше, да и кому интересны в XX веке фотореалистичные изображения цветов — проще сфотографировать настоящие. Его работы настолько красивые, что не уступают живым цветам, пусть в них нет и особой прорисовки, зато есть схваченный миг их настоящей красоты, когда они не завяли и не утратили своего очарования.
И ещё он говорил: «придёт время, мои картины будут висеть в разных музеях, и люди будут говорить: «вот Кончаловский писал по картине в день, и как хорошо». Но обязательно найдётся тот, кто заявит — «потому и плохо».
Купить уникальные товары ручной работы или современный арт вы можете на artAlebrio - это международная торговая площадка, объединяющая людей, которые хотят создавать, продавать, покупать и коллекционировать уникальные вещи - покупайте лучшее с нами artAlebrio.com.
Подтверждая ваш заказ, вы безоговорочно принимаете эти Общие условия продажи
